В корпусе Бенуа Государственного Русского музея открылась выставка "Русский Париж". Это масштабная экспозиция, демонстрирующая произведения русских художников, находившихся во французской эмиграции: 114 живописных, 20 скульптурных произведений, и 62 графических работы. 30 произведений выставки - из фондов из ГРМ, 42 - из Центра Жоржа Помпиду, 22 - из Музея современного искусства г. Парижа, остальные - из частных собраний и музеев Франции, Германии, Швейцарии, США. Выставка организована Государственным Русским музеем совместно с Французской ассоциацией культурных мероприятий (AFFA), при поддержке Министерства культуры Франции и Министерства культуры России, а также Французского посольства в Москве, мэрии г. Бордо, Национального музея современного искусства Центра Жоржа Помпиду, Музея современного искусства г. Парижа, в сотрудничестве с музеем Фон дер Хейт (г. Вупперталь, Германия) и Музеем изящных искусств Бордо (г. Бордо, Франция).

Рамки выставки намеренно ограничены 1910-1950-ми годами. Формируя выставку, Русский музей ставил себе целью передать картину стилей, манер, направлений, привнесенных в парижскую культурную жизнь русскими художниками , которые по собственной воле или в связи с исторической ситуацией, избрали Париж своим вторым отечеством. Всего на выставке представлено около восьмидесяти имен.

Мнение о России, как о варварской стране, во Франции существовало до 1870 года, но изменения в политике (поражение Франции в борьбе с Германией) привело к сближению двух стран, а, следовательно, и культур. Первое знакомство французов с русским изобразительным искусством произошло в 1890 году, на Всемирной выставке в Париже, где были представлены Валентин Серов, Константин Коровин, Филипп Малявин. А уже в 1909-1929 годы вместе с дягилевскими "Русскими сезонами", началось настоящее увлечение "русским стилем". Благодаря "Сезонам", с которыми сотрудничали французы Ж.Брак, А.Матисс, П.Пикассо, А.Дерен, русские декораторы оказались интегрированы в парижскую художественную среду.

В 1912 году на салоне группы "Золотое сечение", показавшем свою эволюцию к кубизму, помимо французских художников Дюшама, Леже, Купки, были выставлены работы трех русско-украинских художников - А.Архипенко, А.Экстер, С.Левицкой.

В 1920 г., когда "Золотое сечение" было возрождено, русские составляли уже треть участников выставки). Умозрительный характер поисков группы был выражен в позаимствованной у Леонардо да Винчи идее "золотого сечения". Крестным отцом группы был Гийом Аполлинер, преданный защитник кубизма. Впрочем, из-за собственных славянских корней, он был еще и посредником между французским и русским искусством на Монпарнасе. Именно Аполлинер помог приехать Шагалу в 1914 году и вернуться Ларионову и Гончаровой в 1915 г. В свою очередь Александра Экстер была художественным посредником между Парижем, Москвой и Киевом, открыв Пикассо деятелям русского авангарда.

Мировая война 1914 года на некоторое время прервала отношения Франции с русским искусством. Но после революции 1917 года России во Францию, как в Мекку, двинулись волны русских художников. В 1918-1921 годах уехали В. Кандинский, И. Пуни, Д. Бурлюк. Со второй "волной" (после смерти В. Ленина в 1924 году) Россию покинули А. Бенуа, М. Добужинский, В. Баранов-Россине, Ю. Анненков, З. Серебрякова.

Русские художники поселились в Германии, Италии, Америке. Но парижская группа стала самой значительной и составила часть знаменитой Парижской школы. Среди них были именитые художники, жившие прошлыми своими успехами, а были и такие, чье творчество в полной мере развернулось только на Западе.

Старые мастера из России с трудом приспосабливались к европейскому вкусу. Русское искусство распространялось в основном через театр. Русские художники пытались реорганизовать в Париже "Мир искусства". Вышел журнал и две выставки с таким названием. Однако, сами мирискусники отнеслись безучастно к этим "воскрешениям". Многие из них, признанные и именитые, не нашли в чужой обстановке настоящего признания. Постепенно и не без горечи осознавали они свою второстепенность в парижской художественной жизни.

Александр Бенуа за 35 лет проживания вне России не смог занять того положения, которое было у него в России. до 1917 года. Но при этом он активно продолжал и художественную, и литературно-критическую деятельность: создал эскизы для театров различных стран, писал пейзажи, написал знаменитые "Художественные письма". Лев Бакст за семь лет после революции написал несколько эскизов декораций, в том числе к балету "Шахерезада"( после этого в моду у женщин Парижа вошли тюрбаны), портреты И. Рубинштейн, А. Павловой, В. Нижинского. Оставив античные темы, он обратился к темам чисто русским, воскрешая этими воспоминаниями жизнь до эмиграции.

Не вышел за рамки ретроспективного стиля и Иван Билибин - после пребывания в Каире он приехал в 1925 году в Париж и продолжил работать в своей лубочно-византийской графической манере. Не в силах победить тоску по России, он, выполнив иллюстрации к двум книгам, вернулся в середине 1930-х годов в Ленинград, где умер во время блокады. О Константине Коровине французского периода А. Бенуа писал: "Говорили, что он очень выпивал и проигрывал в азартной игре то, что зарабатывал, создавая картинки с "русскими сюжетами" - тройками, зимними деревенскими пейзажами и т.д.". Только Константин Сомов не изменил своей изысканной манеры, черпающей вдохновение во французском XVIII веке.

Несомненное влияние на французскую сценографическую манеру оказал Мстислав Добужинский, самый глубокий декоратор и график "Мира искусства". Добужинский прожил в Париже с 1923 по 1935 год, выставлялся в Осеннем салоне, в частных галереях, писал декорации и костюмы для "Летучей мыши" Балиева, балетов и кино. Другому великому декоратору, Сергею Судейкину, впоследствии как и М. Добужинский, переехавшему в Америку, обязано своим успехом популярное в 1920-х годах "Русское кабаре".

Новое развитие мирискусническая традиция получила в произведениях А. Яковлева, В. Шухаева и Б. Григорьева. Александр Яковлев усовершенствовал манеру изображения персонажей в застывших позах. Используя красочную палитру голландцев XVII века, он придавал своим работам холодный "лунный" отсвет. В результате путешествий по Африке и Азии художник создал серию изображений восточных стран, представляющую большую ценность, в том числе для этнографии.

Василий Шухаев прославился декорациями к балету "Летучая мышь", отличавшимися красочностью, причудливостью, но в Париже работал над нарочито "сухими" портретами или сценами в духе Гогена. Борис Григорьев, имевший за рубежом славу "великого русского художника" - выпустил в 1923 году книгу "Лики России", где были собраны его наброски и этюды времен революции, выполненные в жесткой и резкой манере. Критик отмечал, что "Григорьев пишет Расею, исконную, настоящую, земляную, черноземную. Он ушел в глубины и как плугом поднял вековые пласты, показал, как эти комья выглядят снизу. Посмотреть стоит - из них вырастают золотые русские хлеба".

Если с 1909 до 1920 года русское присутствие в Париже было сильным, но распыленным, то после 1921 года массовый приток эмигрантов способствует развитию оригинального творчества, позволяющего говорить о "русском авангарде в Париже".И то, что внесли русские художники (манеры, стили, направления) во французскую культурную жизнь, в какой-то мере отразило характер художественных процессов в среде не только эмигрантов, но и во французском искусстве того времени. Как художники влияли на Париж, так и Париж влиял на них.

Владимир Баранов-Россине, начинавший в России как мастер цветомузыкальных композиций и портретов в духе кубофутуризма, в Париже начал заниматься абстракцией. Юрий Анненков (портреты в духе кубизма) меняет темы и манеры, перейдя, наконец. к абстрактным коллажам. После переезда в Париж кардинально изменил свою манеру творчества Иван Пуни. После 1923 года, он окончательно отошел от кубофутуризма и супрематизма и начал работать над пейзажами, интерьерами, парижскими сценами в стиле наби. Его полотна маленького формата, напоминающего японские шелковые панно, были вдохновлены парижскими улочками и тупиками или самыми неожиданными предметами из его мастерской на Нотр-Дам-де-Шан. Василий Кандинский прожил в Париже с 1923 до своей смерти в 1944-м. Этот период можно назвать синтезом его творчества. Под влиянием научных открытий о бесконечно малых величинах В. Кандинский ищет и изучает параллели между процессами, происходящими в природе и искусстве.

Ни одному художнику не удалось снискать в парижской художественной среде такого внимания, как Марку Шагалу. Он проявил себя как в станковой живописи и театральных декорациях, так и в художественной иллюстрации книг, религиозных витражах и гобеленах. Когда в 1922 году М.Шагал уехал из России в Париж, то получил предложение заняться художественной иллюстрацией. Результатом работы стали гравюры для "Мертвых душ" Гоголя и басен Лафонтена. После путешествия в Тель-Авив и Сирию М. Шагал берется за иллюстрирование Библии, а позднее принимает заказ на оформление издания "Дафниса и пХлои". Во время войны, в 1941, М.Шагал уехал в Америку, вернулся во Францию шесть лет спустя и поселился на юге, где его живописная манера претерпела изменения под влиянием яркой природы средиземноморского побережья.

Особое место в парижской школе занимают Михаил Ларионов и Наталия Гончарова. Во французский период творчества они не развили своих смелых исканий лучизма 1911-1914 годов, но ярко проявили себя в театре. С 1915 года начинается увлечение М. Ларионова танцем, не покинувшее его до конца жизни, и работа для балетных спектаклей, где проявились и смелость неопримитивизма, и красочность русского лубка, и стилизация скифского искусства. Н. Гончарова, помимо ярких театральных работ, создала живописную серию испанок в манере, близкой набидам. А, начиная с 1957 года исполнила ряд беспредметных картин на тему космического спутника. Ее способности к творчеству не помешал даже тяжелейший ревматизм, развившийся под конец жизни: из-за болезни Н.Гончарова вынуждена была работать, располагая холст горизонтально, и держать кисть двумя руками.

Одним из самобытных художников, выработавших свой стиль уже в Париже, был Леопольд Штюрцваге, известный под измененной Аполлинером на французский лад фамилией Сюрваж. Сюрваж создал собственную систему организации кубической перспективы: если у кубистов система плоскостей основывалась на одной общей оси с изображением предметов, то Сюрваж создал кубистическую перспективу пейзажа в двух измерениях. По его словам: "Живопись - это искусство в двух измерениях. Нужно создать представление о третьем измерении, но без имитации последнего". С 1939 года он начал применять древний способ составления казеиновых красок, сохраняющих свой цвет более двух тысяч лет. Их прозрачные и матовые оттенки увеличивали особую рельефность его композиций. Помимо станковой живописи, в 1922 году Сюрваж выполнил для дягилевских Русских балетов декорации к "Мавре" И. Стравинского, где также использовал собственную систему кубистической перспективы.

В 1928 году в Москве в помещении Морозовского отделения Государственного музея западного искусства открылась выставка "Современное французское искусство", половину которой занимали "русские парижане". Опыт московской выставки завершил традицию Серебряного века - демонстрировать русское искусство параллельно с французским. Следующей была только состоявшаяся через полвека выставка "Париж-Москва" в 1979 году. Нынешний проект "Русский Париж", реконструирует феномен русского художественного присутствия в Париже, ставшего отечеством для многих замечательных русских художников. Большинство произведений русская публика увидит впервые.

Выставка будет работать до 22 июля.